ANY Talks – Vol.7「 『クロス・コミュニティ』異ジャンルの人と人が起こすアートのカタチ」

A.N.Y Talks – Vol.7 「『クロス・コミュニティ』異ジャンルの人と人が起こすアートのカタチ」
ゲスト: 高橋 翔(Sho T)
2019年11月18日(月)
19:00 – 21:00  
S.Y.P Art Space
〒162-0065 東京都 新宿区住吉町10-10
都営新宿線 曙橋駅A2出口から徒歩3分

定員 12名 ※事前申し込み制 
※参加希望の方はFBメッセージにてお名前、PCアドレス、電話番号をご記載の上お知らせ下さい。
※イベントページの参加ボタンのみではお申し込みの受付となりませんのでご注意ください。
※定員に達した場合は順次キャンセル待ちでお受けいたします。

参加費 1500円  ※お飲み物、軽食付き
※参加費はゲストへの謝礼と運営経費となります。

プログラム構成
【トークレクチャー 19:00 – 21:00】
「『クロス・コミュニティ』異ジャンルの人と人が起こすアートのカタチ」

ジャンルやコミュニティの限界を超える。
領域に縛られないイノベーターネットワーク。
仮にそれが成立し、互いに化学反応を起こしていくことができれば、様々な不可能を可能にできる。

そんな想いから生まれた『クロス・コミュニティ』というコンセプト。
異種のイノベータ/マルチポテンシャライト(渡り鳥)を起点に、異なるコミュニティ・ネットワーク間での共創を起こしていく実験的グループを1年以上続けています。

ここから、どのような現象が生まれているのでしょうか?
また、それはアートに関わる人々にどのような影響を与える可能性があるのでしょうか?

現在45名程度の様々なジャンル(ブロックチェーン・シェアリングエコノミー ・SDGs・AI・アート・ドローン・起業家・コワーキング・不動産・NPO etc)の領域を超えたいと願うイノベーターを中心に、それぞれの領域間のコラボレーションが起こり始めています。

マネタイズ/資本主義の視点だけでは気づかれなかった多様な埋もれた価値(物語)を再発見し、合流させ・引き出し合い・開花させる「価値タイズ」を行う。

それをみなさんとも共に考えたい。

まだまだ挑戦の段階です。

少しでもピンと来た方は、ぜひご参加ください! 高橋 翔(Sho T)

・高橋 翔(Sho T)
物語アーティスト/ 異種のイノベーターネットワーク「クロスコミュニティ」創設/ マネタイズ→価値タイズ型の共創社会を描く/ SDGsパトロンプラットフォーム『The Earth』Founder/ 世界最大SNSブロックチェーンSTEEM日本アンバサダー →現在Web3.0型DIYエコノミーPJ等のCo-Founding/ その他、各種プロジェクトアドバイザー・Visioning/ 大企業パラレルワーカー/元起業家/ Ideas&Vision
http://sho-t.mystrikingly.com/

【ワールドカフェ式 立ち話 20:00 – 21:00】
ワールドカフェ(※)の要素を含んだ スタンドチャッティング(立ち話)  
前半のトークに基づいて、オープンな会話の中からお互いの思いや考えに触れ、自由につながりひろげていきます。

※ワールドカフェ
Juanita Brown(ファニータ・ブラウン)氏とDavid Isaacs(デイビッド・アイザックス)氏によって、1995年に開発・提唱されました。「知識や知恵は、機能的な会議室の中で生まれるのではなく、人々がオープンに会話を行い、自由にネットワークを築くことのできる『カフェ』のような空間でこそ創発される」という考えに基づいた話し合いの手法です。
引用:http://world-cafe.net/about/

【A.N.Y Talks について】
「A.N.Y Talks」は、様々な分野で活躍するゲストを迎え、参加者の多様な視点を介在させながら、自由な対話と交流の場を生み出すことを目的とします。また、その場を共有する全ての人が
様々につながり、将来における創造的発展のポテンシャルを高めることを目指します。シリーズタイトルの「A.N.Y Talks」には、二つの意味を込めました。一つは「Any- 」。 Anytime、Anyway、Anyhow、Anywhere、Anyone、Anything‥ のように、いかなるものも決して限定された存在ではなく、無数の可能性を秘め、われわれはそれを探求できるということ。もう一つは「Add a New Yarn」= 「新しい糸を加える」。この企画を機に、様々な可能性をつむぎ、つないでいくことを希望しております。


小澤 英 個展 ozawaei Solo Exhibition

会期 2019年11月15日(金)−11月17日(日)

時間 13:00~19:00

The Catcher in the Ryeの作中に登場する、Secret goldfishという架空の短編小説をテーマにしました。 内容は幼い男の子が自分の金魚を誰にも見せないのは、自分のお金で買った為だという他愛もない話。

作品はインスタレーションのような絵画やファウドオブジェなど。 それらはある種のネットワークの様なもので自分の思考や経験が反映されている。

1990年生まれ
ニューヨークにて自主企画の展示、
2017 Ei Ozawa in Front of Whitney Museum of American Art
2019 群馬青年ビエンナーレ


MARTINA KÄNDLER – Pop up installation –

MARTINA KÄNDLER
Pop up installation | S.Y.P. art space | 11/7/2019 19.00-22.00

OUT OF THE BLUE

2012-2019 stop motion installation
In various places in the world Martina Kändler observed the color of the sky during the time of dusk: Munich Germany, Kristinestad Finland, Melbourne Australia, Hong Kong, New York USA and Tokyo Japan. Over the past seven years she took photographs in the different areas for several months from the beginning of the twilight to the nightfall, at an interval of one minute. The data and location were documented. This investigation will be continued and extended in other countries and landscapes with different climatic conditions. Following her observation, she developed the installation “out of the blue”. The images are projected in a large scale so that the different shades of blue, from sunlight to darkness can be experienced again and again within just a few seconds and the spectators can immerse themselves in the color of the sky.

HIDE AND SEEK

2014 videoloop
This video shows lights in different colors, changing in speed and size. Through these two parameters we are able to identify their location in space, even though the spacial surrounding is in the dark.
For this video Martina Kändler let dogs with blinking collars and brightly lit toys frolic around in a meadow at night. The colorful traces in the dark make the movements of the dogs and the game visible, the size and speed of the objects locate them in space.

ARTIST STATEMENT
Social processes, growth and decay, projection and delusion, volumes and limitations, illusion and real space, subjective perception and alleged objectivity are the starting points of Martina Kändlers artistic exploration. In the contrast between an experimental process and conceptual thinking, strict compositional structure and emotional impact, manual work with the material and manifestations of the ephemeral arise idea, project and realization.

Architectural volumes are given new rhythms by translucent walls of laser light. Kinetic light objects create diverse worlds in small boxes, which can be experienced through light, sound and movement. Observations of moving lights, which can be localized by size and direction in space, are abstracted in video works. Experiments with paper and, in the latest work, metallic surfaces in the architectural model lead to new photographic series under the changing influence of light, while gold leaf aims at a transformation of the object. Long-term photographic documentations focus on different aspects of atmospheric color change, space, nesting and transparency.

CV
2016 Diploma of fine arts, Academy of Arts Nuremberg
2015 Meisterschülerin
2003 Master of Arts in art history and art education, University of Augsburg 1970* Germany
www.martinakaendler.de


Mireya Samper Video Screening ‘ floating infinity ‘

*******DUE TO HUGE TYPHON COMING THE SCREENING HAS BEEN RE-SCHEDULED FOR 16TH OCTOBER!!!******

We will have a video screening of Mireya Samper ‘ floating infinity ‘
X 10.12(Sat) 17:00-18:00
O 10.16(Wed) 19:00 – 22:00
from 19:30, we will have art discussion event ‘Artist Meetup’
https://www.facebook.com/events/945525872460524/

Mireya Samper from Iceland graduated with DNSEP (Diplome National Supérieur d’Expression Plastique) from Ecole d’Art de Luminy  Marseille, France 1993 after she studied at the Icelandic College of Art and Crafts. She has held solo shows and participated in group exhibitions across the world. Her work supersedes the identity as sculptor or painter working parallel in two and three dimensions for museums or in-situ. As a creator of installations she has participated in many projects of Artist-in-residence where she creates site-specific works using local and regional produced materials in each country. In Japan she made artworks linked to environmental issues using its nature. Furthermore her drawings and paintings represent Japanese ink, and pigments on Japanese paper.

With ease she creates poetical minimal works that are either ephemeral or carved in stone. Pulling together prima matera into concepts of time and space her oeuvres create connections between the natural elements of water, light, wind, stone and consciousness.
ARTISTS STATEMENT 
My works are poetic images of the circle of life, and internal and external cosmologies where water and light, metaphors for infinity and repetition, coalesce. I use water as a metaphor in its ephemeral forms as a drop in suspension or floating, shaped and made in stone or other materials.The drop symbolises both water and light with the duality of circularity: the source of water and its pluvial, as well as time and eternity.
Light, its reflections and allusions are symbols of our inner self and of the higher values of peace, eternity and universality.
Eternity unfolds the universe. My work encourages people to reflect and connect with their inner selves, to the “external worlds” and to the cosmos.
Emptiness is Fullness – floating infinity – Video Installation by Mireya Samper 
2017, 90m2, bronze, aluminium, video and music by Tomoo Nagai.  
“Emptiness is Fullness”, an expression inspired by the philosopher Francois Cheng.
Emptiness is Fullness is a type of a double video installation in a 90m2 room made in Japan in 2017. It is a video which is a 24 hour time-lapse composed in a natural space in Lithuania of a site specific installation which has been trimmed down to 8 minutes — referring to infinity. The piece is then projected on a wall which is 4×6 meters. Between that wall and the projector is another installation made of bronze and aluminium as well as specially composed music piece by the musician Tomoo Nagai which infuses the room.Therefore the objects of the installation and their shadows along with the music play a role when the whole installation is then re-filmed creating the outcome of this 8.12 minute video. U-Forum Museum Tokyo 2017

Shingo Yoshida and Christoph Rothmeier “geister heimsuchen ガイスター ハイムズーヘン(haunting spirits)”

2019.10.19 Sat. 17:00 – 20:00
10.20 Sun – 10.28 Mon. 13:00-19:00   *open on Fri, Sat, Sun and 28th
Opening Party : 10.19 Sat 17:00 – 20:00

 

ポストカード プロジェクト
geister heimsuchen ガイスター ハイムズーヘン

(haunting spirits)

Shingo Yoshida
www.shingoyoshida.com

Christoph Rothmeier
www.christophrothmeier.de

ポストカード 絵葉書はまだインターネットが無い時代は特に、訪れた場所の記憶を誰かと共有したいという願いを込めて送り、受け取った人は、遠くはなれた友人の生活に思いを馳せ、多くの思い出をつないだことと思います。

しかし、多くのポストカードは時間が経つにつれ紛失されるか、捨てられて、
かつては双方の間に繋がりがあったものが切り離され、徐々に消えていきます。のちにその思い出や、過去の記憶、文化、風俗がたくさん詰まった絵葉書はガイスト(Geist)が宿った新しい存在として、骨董品、アンティーク、ゴミのような形を変えて存在を変えていきます。ガイスト(Geist)という言葉は、ドイツ語において「幽霊」や「亡霊」といった死者の魂のことを意味すると同時に、
生きている人間の「精神」や「心」のことを意味する言葉として用いられている言葉です。それらの古いポストカードを手に、シンゴ・ヨシダとクリストフ・ロットマイヤーは、カードにあるバックデータを元に現在〜過去をつなげ、社会文化的背景を比較調査します。さらにその場所の言い伝えや伝説を知ること、土地文化を理解することとして重要な行動だと考えてます。
そして、カードに宿ったガイスト(Geist)その場所で感じる見えない何か、雰囲気など、消えてなくなってしまった事柄や思い出として生き続けるスピリットのようなものを探しに旅に出てた結果を、作品制作として発表する予定です。
Post-cards are souvenirs, at least the were meant to be.
They illustrated memories of visited places and represented the wish to share moments in life with someone abroad. Sending a postcard was a gesture, it aimed to connect lives over great distances.
 Once received, and as time goes by, boxes full of postcards got lost or simply got thrown out. Separated from the receiver the cards lost its meaning, and the connection between two people, that it once represented faded away to become “ein Geist (a spirit/ghost)” that still inhabits the object somehow. 
Picking up those postcards, Shingo Yoshida and Christoph Rothmeier will try to haunt spirits that inhabit them. They will reconstruct the cards journeys and lead an artistic investigation on their “Geister” with all their possible pasts, to establish connections anew, but in form of an exhibition. For the Project “Geister heimsuchen”
 Shingo Yoshida and Christoph Rothmeier cooperate for the first time, to investigate in found Postcards and the eld of socio- cultural phenomena that inhabits them.
Their research will depart from images and information shown on backdated postcards,
and they will investigate places that are shown, people that are mentioned and the Stories that are written on them.

CV Shingo Yoshida
www.shingoyoshida.com

*1974

Educations
2005-07 Post-graduate diploma – Program La Seine of Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. 2004-05 Post-graduate diploma- Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Lyon, France
1999-2004 MA with highest honors from Ecole Nationale Supérieure d’Art, Villa Arson, Nice

Collections
– Art Collection of the Ministry of Environment Germany / Sammlung Bundesministerium für Umwelt, Naturschutz, Bau und Reaktorsicherheit, Deutschland 2017
– Berlinische Galerie (Dr. Thomas Köhler) Berlin, Germany
– Akademie der Künste (Wulf Herzogenrath) Berlin, Germany
– Fluentum-Dahlem (Markus Hannebauer) Berlin, Germany
– Alliance française de Kuala Lumpur, Malaysia 2006

Selected Exhibitions & Screenings
“HIDDEN PLACES“ Mikiko Sato Gallery, (Hambourg, Germany 2018) – Personal Exhibition
“The Cuckoo ́s Nest : Shingo Yoshida “ Pavillon am Milchhof (Berlin, Germany 2018) – Personal Exhibition UN Conference on Climate Change, COP23 (Berlin & Bonn, Germany 2017) – Screening
„INNER LAND“ ikonoTV ( Berlin / NY / Shanghai Time on the ikonoTV stream. 2017 ) – Screening Gunma Museum of Art, Tatebayashi (Gunma, Japan 2016)
Tokyo Wonder Site / Kunstraum Kreuzberg-Bethanien (Brlin, 2016) – Personal Exhibition

Award & Grant
2015 Award: POLARIZED! Vision 2015 Competition Winner
: Journey to the Center of the Earth November 23, 2015, Lapland, Rovaniemi, Finland
2013 Grant : The Agency for Cultural Affairs, Japanese Government (Overseas Study Programme ) 2012 Grant : NOMURA FOUNDATION
2010 Grant : SHISEIDO Co.,Ltd.
2006 Grant : Direction des affaires culturelles / Département de l’art dans la Ville de Paris
2005 Grant : D.R.A.C de la region rhone-alpes France

Artist Residency
2018 H – residency Calama Chile, June
2017 The Avian Kingdom Sweden – ARNA, May – June 2017
2016 La Conciergerie / Chambéry France, May – Juin
Tokyo Wonder Site / Kunstraum Kreuzberg-Bethanien / Berlin Germany, January – March

„Photographer and video artist Shingo Yoshida finds inspiration in travelling, myths, traditions and the overwhelming beauty of nature. Yoshida considers the world as his studio and therefore a place of constant creation. In his video and photographic works Yoshida expresses his deep reverence for nature and its power, as well as his sense of wonder at encountering new cultures and ways of living. Shot in Calama, Chile, Shingo Yoshida’s film Réprouvé takes us through a garbage-strewn wasteland at the edge of the city, where the artist creates an oasis of beauty, turning discarded bear bott- les into a sound installation. In an exhibition about water, Réprouvé is striking for its very absence of water. Creating beauty in the most unlikely of places, it is nevertheless a frightening glimpse of what our planet may soon look like if we do not take better care of our most necessary natural resource – water.
„ – Rachel Rits-Volloch

CV Christoph Rothmeier
www.christophrothmeier.de

*1974

1974 geboren in Lindau am Bodensee, lebt und arbeitet in Berlin.
1994 allgemeine Hochschulreife
1994-1997 Ausbildung Tischler
1997 Gründung „Diletant Tonträger“ Musiklabel in Berlin
1998-2005 Studium freie Kunst an der Hochschule für Bildende Kunst in Hamburg bei Eran Schaerf und der Villa Arson in Nizza (Frankreich) bei Jerome Joy

2006/2007 Freier Forschungsaufenthalt des DAAD, in Chicago ,
„visiting Artist“ im Department „art and technology“ des School of the Art Institute of Chicago), USA

Lehrätigkeit an Hochschulen:

2015-2017 Kuratierung der Abschlussausstellungen der Weissensee Kunsthochschule Berlin
2015 Kuratierung „seeing as hearing“ studentische Arbeiten der Weissensee Kunsthochschule Berlin
an der Musikhochschule Hanns Eisler, mit Klaas Hübner und Gabriele Werner
2015 Workshops „Pure Data “, MACO Museum Arte Contemporano Oaxaca, Mexico
und „Blackbox “, Burg Giebichtenstein, Halle
2013/2014 Seminare „Sound“ – Abenteuer und Phänomene und „unerhörte Räume“, theoretische und praktische Grundlagen für sound-basiertes künstle- risches Arbeiten an der Weissensee Kunsthochschule Berlin,

Frei kuratierte Projekte und Ausstellungen (Auswahl):

2014 Unerhörte Räume, Kunsthalle am Hamburger Platz, Berlin
mit Klaas Hübner (u.a. mit transstruktura, studenten der weissensee kunsthochschule berlin, jannick dauby ..) 2013/2014 Fifty minutes, Ort für künstlerische Aufführungen,
(mit Shingo Yoshida , Stefan Mörsch, Galerie c+v, Hans Kellet und Kate Donovan)

www.fiftyminutes.de
2009-2011 Garten Eden 2, künstlerisches Forschungsprojekt, Ausstellungsprogramm und Publikation, (u.a. mit Philipp Haffner, Jörn Zehe, Peter Cramer, Michael Cieslak, Jack Waters, Olaf Dreyer)

www.garteneden2.de
2007-2009 Chicago Recordings, 23 Interviews mit speziell dafür entwickeltem Notationsprogramm, Ausstellung und Publikation (u.a. mit Shawn Decker, Eric Leonardson, Jason Roebke, Jeb Bishop, Josh Berman)

www.textem.de
seit 2002 Hungermuzik, Musiklabel und Band (mit Jörg Hochapfel),
Tonträgerveröffentlichungen und Konzerte
(u.a. Hungermusikfilme (2008), Künstlerfilme zur Musik von hunger, mit Eske Schlüters, Shingo Yoshida, Christophe Boursault, Tillmann Terbuyken, Nicole Messenklehner, mauru, Frau Kraushaar ..uvm. )
Screenings, u.a. im Westwerk Hamburg, Galerie A und V Leipzig, Le petite Verseille New York

www.hungermuzik.de


A.N.Y Talks – Vol.5 「翻訳(ことば)が繋ぐ創造(アート)の世界」

A.N.Y Talks – Vol.5 「翻訳(ことば)が繋ぐ創造(アート)の世界」
ゲスト: 加藤久美子(Penguin Translation代表)
2019年9月21日(土)
15:00 – 17:00  
S.Y.P Art Space
〒162-0065 東京都 新宿区住吉町10-10
都営新宿線 曙橋駅A2出口から徒歩3分

定員 12名 ※事前申し込み制 
※参加希望の方はANY TalksのFBメッセージ(https://www.facebook.com/events/1085717864961666/)にてお名前、PCアドレス、電話番号をご記載の上お知らせ下さい。
※イベントページの参加ボタンのみではお申し込みの受付となりませんのでご注意ください。
※定員に達した場合は順次キャンセル待ちでお受けいたします。

参加費 1500円  ※お飲み物、軽食つき

プログラム構成
【トークレクチャー 15:00 – 16:00】

「翻訳(ことば)がつなぐ創造(アート)の世界」
加藤久美子氏が代表を務める「Penguin Translation」は、アート・デザイン・カルチャー・エンターテイメントの分野を中心とした翻訳・通訳を提供するとともに、クリエイター向けの英会話レッスンを始め、アーティストのPRや書籍制作、企画支援、クリエイティブマネジメントなど、多様な創造と時代の表現をサポートする。「ことばは人間が生み出した豊かなコミュニケーションツールであり、その意味は日々更新されている」と語る加藤氏。今日、クリエイターやアーティスト、個々のビジネスにおいて、ことばを軸としたネットワークの構築、創造性豊かな文化発信・交流を実現させるためには、どのようなスキルが必要とされているのでしょうか?ことばのもつ奥深さを追求し続ける加藤氏に、実践例や具体的な学びの事例をご紹介いただきながら、翻訳(ことば)がつなぐ創造(アート)の世界についてお話いただきます。

■登壇ゲスト
加藤久美子(Penguin Translation代表)
中高生時代をアラブ首長国連邦・ドバイで過ごした後、帰国。東京藝術大学にて現代美術を専攻。ランドスケープ設計事務所・広告制作会社での勤務を経て、「Penguin Translation」を設立。クリエイティブ分野の翻訳を中心とした英日翻訳の他、通訳、英会話講師、美術史講師(英語)、海外事業アシスタントやイベント企画等を行う。また、⾃⾝も美術家として、インスタレーション作品や、ワークショップ企画、フィールドワークリサーチなどを展開する。

■Penguin Translationについて
アート・デザイン・カルチャー・エンターテイメントの分野を中⼼とした翻訳チーム。クリエイティブな分野に特化した少数精鋭の専門チームメンバーともに、発信者の⼼ごと伝わるような、正確かつてざわりのある翻訳を届けている。⽇本と海外の双⽅向的な情報発信の橋渡しとなり、表現と創造のネットワークを広げることで、豊かな⽂化創造を実現していくことをゴールに掲げる。
https://www.penguin-translation.com/

【ワールドカフェ式 立ち話 16:00 – 17:00】
ワールドカフェ※の要素を含んだ立ち話  
前半のトークに基づいて、オープンな会話の中からお互いの思いや考えに触れ、自由につながりひろげていきます。

※ワールドカフェ
Juanita Brown(ファニータ・ブラウン)氏とDavid Isaacs(デイビッド・アイザックス)氏によって、1995年に開発・提唱されました。「知識や知恵は、機能的な会議室の中で生まれるのではなく、人々がオープンに会話を行い、自由にネットワークを築くことのできる『カフェ』のような空間でこそ創発される」という考えに基づいた話し合いの手法です。
引用:http://world-cafe.net/about/

【A.N.Y Talks について】
「A.N.Y Talks」は、様々な分野で活躍するゲストを迎え、参加者の多様な視点を介在させながら、自由な対話と交流の場を生み出すことを目的とします。また、その場を共有する全ての人が様々につながり、将来における創造的発展のポテンシャルを高めることを目指します。シリーズタイトルの「A.N.Y Talks」には、二つの意味を込めました。一つは「Any- 」。 Anytime、Anyway、Anyhow、Anywhere、Anyone、Anything‥ のように、いかなるものも決して限定された存在ではなく、無数の可能性を秘め、われわれはそれを探求できるということ。もう一つは「Add a New Yarn」= 「新しい糸を加える」。この企画を機に、様々な可能性をつむぎ、つないでいくことを希望しております。


A.N.Y Talks – Vol.6「アーティストから学ぶ – 想像を超えるための方法 – 」

A.N.Y Talks – Vol.6「アーティストから学ぶ – 想像を超えるための方法 – 」
ゲスト: 千田 泰広(アーティスト)
2019年10月5日(土)
15:00 – 17:00
S.Y.P Art Space
〒162-0065 東京都 新宿区住吉町10-10
都営新宿線 曙橋駅A2出口から徒歩3分

定員 12名 ※事前申し込み制
※参加希望の方はFBメッセージにてお名前、PCアドレス、電話番号をご記載の上お知らせ下さい。
※イベントページの参加ボタンのみではお申し込みの受付となりませんのでご注意ください。
※定員に達した場合は順次キャンセル待ちでお受けいたします。

参加費 1500円  ※お飲み物、軽食付き
※参加費はゲストへの謝礼と運営経費となります。

プログラム構成
【トークレクチャー 15:00 – 16:00】

「アーティストから学ぶ – 想像を超えるための方法 – 」

昨今、ビジネスの場においてアートが注目されている。その多くはアート作品を鑑賞、所有することで直観力や感性、創造力を鍛え、その力をビジネスに応用するというものだ。だが、このようはアート作品から得られる抽象的な感覚は、アーティストによる高い分析力、思考力、表現力、技術力、プレゼン力、人間力などが合わさって導き出されたものであり、この総合力こそが、人々の想像を超えるアートを生み出す一因となっている。この度のA.N.Y Talksでは、ヨーロッパやアジアを中心に展覧会やアートフェスティバルに作品を発表、受賞を重ねるアーティストの千田泰広氏をお迎えし、各国の人々の知覚を深くゆさぶる光と音の空間の創造はいかにしてつくりあげられるのか。その作品制作の裏側から、アーティストが持つ総合的な力の可能性についてお話いただきます。

・千田 泰広(ちだ やすひろ)

高山登山やアイスクライミングなどのフィールドワークを行い、「空間の知覚」と「体性感覚の変容」をテーマに制作。世界最高峰のライトフェスティバル、ALFに2017、2018参加。国際ライトアートアワード2019ファイナリスト。Artdexにて世界の9人のライトアーティストに選ばれる。フランス最大のシャルトリューズ修道院での展示(2018)。 チェコ最大のアートフェスティバルSIGNALにアジア圏より初選出(2016)。スロバキア最高の芸術祭ヴィエラノック(2018)。Wonderspaces全米ツアー(2019~)。上海ライフギークアワード空間賞(2018)他、各国を代表する芸術祭に数多く参加。

【ワールドカフェ式 立ち話 16:00 – 17:00】
ワールドカフェ(※)の要素を含んだ スタンドチャッティング(立ち話)
前半のトークに基づいて、オープンな会話の中からお互いの思いや考えに触れ、自由につながりひろげていきます。

※ワールドカフェ
Juanita Brown(ファニータ・ブラウン)氏とDavid Isaacs(デイビッド・アイザックス)氏によって、1995年に開発・提唱されました。「知識や知恵は、機能的な会議室の中で生まれるのではなく、人々がオープンに会話を行い、自由にネットワークを築くことのできる『カフェ』のような空間でこそ創発される」という考えに基づいた話し合いの手法です。
引用:http://world-cafe.net/about/

【A.N.Y Talks について】
「A.N.Y Talks」は、様々な分野で活躍するゲストを迎え、参加者の多様な視点を介在させながら、自由な対話と交流の場を生み出すことを目的とします。また、その場を共有する全ての人が
様々につながり、将来における創造的発展のポテンシャルを高めることを目指します。シリーズタイトルの「A.N.Y Talks」には、二つの意味を込めました。一つは「Any- 」。 Anytime、Anyway、Anyhow、Anywhere、Anyone、Anything‥ のように、いかなるものも決して限定された存在ではなく、無数の可能性を秘め、われわれはそれを探求できるということ。もう一つは「Add a New Yarn」= 「新しい糸を加える」。この企画を機に、様々な可能性をつむぎ、つないでいくことを希望しております。


Artists Meetup

About 2 years ago, when I went to an international exchange meet-up, I met a foreign traveler there, and once we figured that both are artists, we talked about our artworks and how we do it in each country. It was fun and we had a quite good time.

He said “I’m traveling for a while in Japan, but you are the first artist I have met!”There are thousands of international exchange events in Tokyo every day now, but there is hardly any kind of informal and open exchange meetup for the people in the art community. Some artists get together, drink, mingle, that’s it. I hope that this meetup will be a good chance that connects any creative people internationally.

※Admission free.  Please bring your own snacks and drinks.

 

2年くらい前に、とある国際交流ミートアップに遊びに行った際、同じく参加していた外国人旅行者と出会い、お互いアーティストということが分かったところからそれぞれの活動内容や作品などの話が盛り上がり、とても楽しい時間を過ごしたことがあった。

「日本はしばらく旅行しているけど、アーティストに会ったのは君が初めてだよ!」と言われて、ふと思った。

今や国際交流イベントは毎日そこかしこでいろんなものが行われているが、アート界隈の人たちに特化した気軽でオープンな交流会というのはほとんどない。アート関係の人がランダムに集まって、好き好きに飲みながら話をする。このミートアップが日本と世界のクリエイティブが繋がる何かのきっかけになれば良いなと思っている。

参加無料

飲み物食べ物は持参ください


下大沢 駿   – 街路樹とスーパー堤防 –

下大沢 駿  
– 街路樹とスーパー堤防 –

会期 : 2019年8月17日(土) – 8月25日(日)
時間 : 13:00-19:00 (初日 16:00-)
*月曜、火曜休廊
オープニングレセプション : 8月17日(土) 17:00-20:00

この展示に来たあなたは、堤防の上でお花見をしながら流しそうめんを食べることができます。
(流しそうめんと共に流すことができる食材の持ち込みを、会期中常時歓迎しています。)

本展示では、下大沢駿による流しそうめん型インスタレーションが展開されます。

 

合理性に基づき人工的に作られた町は、そこに住む人々を過去から断絶し作為的に作られた自然を日常化します。
下大沢は、彼自身が思春期から暮らすニュータウンと正対することを起点として、合理性からの脱却、および、継承されなかった過去との接続の方法を、人の作為と自然の関係から模索する制作を行っています。

今回、下大沢は江戸川区小松川という地域一帯をリサーチし制作を行いました。

荒川沿いに位置する小松川地域は、平成初期からの再開発によって整備された、スーパー堤防とも呼ばれる高規格堤防整備事業のモデルケースと言える地域です。
その堤防上には、偶然にも下大沢の生まれと同じ年に植樹されたという1000本もの桜の木が並び、春には満開の花を咲かせています。

再開発によって戸建住宅がすべて集合住宅に変容したこの地域は、今では多くの子育て世代とインド人で、独特の賑わいを見せています。
平成を象徴するこの環境の中で成立したコミュニティには、どのような未来が待っているのでしょうか。

本展示は、下大沢によって再構築された、街路樹とスーパー堤防のもとで、流しそうめんを食すべく集まった人々を通じて、過去を掘り下げるため未来を占う試みです。

 

Shun Shimoosawa solo exhibition
-Roadside Trees and a Super Levee-

(Sat.)Aug 17 – (Sun.)Aug 25 , 2019
Opening hours: 13:00-19:00 (except on Aug 17 16:00-20:00)
Closed: Mon.Tue.

Opening Reception : (Sat.) Aug 17 17:00-20:00

If you come to this exhibition, you may eat some flowing somen noodles standing on an on-scale river-levee while watching an artificial landscape of cherry blossoms.
(It would be appreciated if you could bring some food and let it flow!).

In this occasion, Shun Shimoosawa presents its exhibition flowing somen installation.

A town artificially developed that becomes a natural landscape for the people that live there.

Shimoosawa makes artworks in order to seek out how to connect with the past that was not inherited since he has lived in Chiba areas modern New Town city since adolescence.

This time, Shimoosawa the artwork is based on a research of the Komatsugawa area in Tokyo.

This area, located along the Arakawa River, is a model case of a high standard levee project, also called “super levee”, developed in the 90s.
On the levee, there are 1000 cherry blossom trees planted in the same year as the birth of Shimoosawa, and the blossoms are in full bloom every spring.

In this area, all single-family homes have been replaced by collective housing, and have a distinctive population of young Japanese families and Indian immigrants.
What will be the future of these communities?

This exhibition is an attempt to put the focus in the future by digging into the past. For this reasons we invite people to gather and to eat flowing somen noodles in the ” Roadside Trees and a Super Levee” recreated by Shimoosawa.

下大沢駿 | Shun Shimoosawa
https://www.shimoosawa.com

1993年 東京都出身
2019年 東京藝術大学 大学院美術研究科 修士課程在籍

1993 Born in Tokyo
2019 M.F.A Program, Tokyo University of the Arts


Belle Shafir Performance – Temporary Interface –

2019.8.11(Sun) 17:00~

Temporary Interface
Performance by Belle Shafir

The opening scene is of the artist sitting on the floor with her back to the audience, her full red hair is the prominent feature. Next to her is a table on which there is pile of cut hair – horse hair.
Hair is one of the elements that attracts Belle Shafir to create art. It attracted her since her childhood in the family horse farm in Germany. Now it is a key motif of her art making.
In the past years hair became a part of her art as a intimate object through which she tells her story. The horse hair is the lines with which she draws on the floor; she caresses the hair and herself, welcoming the soft touch and the physical sensation of the art.
The hair lines are part of the body movement lines she performs very slowly, drawing attention to all the life movements one does not usually notice. The art of the hair line is now the narrator of Belle’s story.

About Belle Shafir (http://belle-shafir.com/)

In the early 2000s, I began dealing with issues that concern man’s interference with the natural order through genetic enhancement and cloning. The tiny pieces I created during that period address man’s inability to notice disruptions and deal with the harmful consequences of his actions. This artistic move has led me to examine my own identity, split in many ways and ridden with conflict, oscillating between cultures. Looming above it all, like a dark cloud, was the fact of my being the daughter of Polish holocaust survivors, who had immigrated to Germany at the end of World War II. Dealing with identity brought up some alarming memories which, previously silenced, were now piling one on top of the other. The essence and deceptive nature of memory became central motifs in my work. Knitted chains made from horse-hair taken from the family farm in Germany, reminiscent of damaged DNA sequences, were the first appearance of this theme in her art. I later used the same hair to knit tiny spiders that resonated with Louise Bourgeois’ “Maman”.

During the recent year, I began to process the family collection of photographs, which has since become a Pandora’s Box for me. I recover images from its depths and confronts them by placing them on sheets of parchment, hoping to retell the story of my own life, and try to come to terms with the interrupted story of my family.

As a multimedia artist, I translate all those issues through drawings, paper cuttings, video art, animation and performance.